21 de agosto de 2017

Memoria de la militancia gay argentina en una muestra de Hernán Marina


Cesta con rosas, 2017, hierro, boceto preparatorio
 
Henrique Faria Buenos Aires presenta la primer muestra individual de su artista Hernán Marina (1967), que se podrá ver entre el 23 de agosto y el 27 de setiembre, de lunes a viernes de 11.30 a 19 horas, en Libertad 1628, Buenos Aires, Argentina. Se trata de "Somos", una reveladora indagación en la historia del Frente de Liberación Homosexual de la Argentina, que se mantuvo activo entre 1971 y 1976, cuando se disolvió, poco después del golpe de estado. 

El nombre de la muestra alude directamente a Somos, la publicación clandestina del FLH de la que se editaron ocho números entre diciembre de 1973 y marzo de 1976. Somos funcionó como la voz del FLH que desde sus páginas se pronunció por la derogación de los edictos policiales, mantuvo intercambios con las feministas y con grupos de liberación homosexual del exterior y apostó a construir una teoría que, al mismo tiempo, confrontara la patologización médica y psiquiátrica de la homosexualidad en sus articulaciones de poder y justificara la potencia revolucionaria del deseo homosexual en el marco de las luchas en curso. 

Portada de la revista Somos N° 1, Buenos Aires, diciembre de 1973. Mimeografía sobre papel. 
Imagen: Archivo CeDInCI
En la muestra, Marina exhibirá las publicaciones originales de Somos, parte del acervo del CeDInCI (Centro de Documentación e Investigación de la Cultura de Izquierdas) junto a las piezas de neón que son su marca de estilo, inspiradas en la producción gráfica de la revista.
 
“Hace un tiempo Juan Pablo Queiróz me mostró materiales de su colección de publicaciones y archivos editoriales de los años setenta”, cuenta Marina repasando la génesis del proyecto. “Me llamó la atención la historia del FLH (Frente de Liberación Homosexual), que a través de la publicación Somos logró articular en sus contenidos cuestiones programáticas ligadas a las reivindicaciones homosexuales de aquel momento junto con las de grupos feministas y críticas a la cultura patriarcal en general. La revista surge al poco tiempo de una tentativa frustrada del Frente de integrarse a sectores de izquierda que veían a la homosexualidad como una ‘desviación burguesa’. Hay una fuerza pulsional en esa lucha y en ese intento de visibilización y legitimación social que me pareció pertinente rescatar”, concluye.

Third World Gay Revolution, 2017, neón frente negro, boceto preparatorio
 
En el texto crítico que acompaña la muestra, Fernando Davis observa que no es esta la primera vez en la que Marina compone su obra desde la investigación documental. “En Buenos Aires by Night (2001-2002) utilizó imágenes de la prensa gráfica, para referirse a las representaciones de la violencia mediadas por el dispositivo de la infografía y su inscripción en una determinada política de la mirada. En 2007 realizó el documental apócrifo Le Partenaire, recurriendo a material de archivo televisivo y en 2013, en su instalación Gestos y posturas, trasladó a piezas en neón diferentes imágenes y representaciones alegóricas del trabajo y el progreso, pertenecientes a la primera mitad del siglo XX”.
 
Marina explica también cómo tradujo la problemática de Somos al formato de obra para ser exhibido en la galería. “Desde lo visual, me atrajo particularmente cómo conviven en Somos (y también en las publicaciones de otros grupos con los que el FLH tenía vinculación a nivel internacional), cierta estética ligada a lo revolucionario más radical con representaciones del deseo que aparecen a través de dibujos de flores, frutas, pájaros y plantas. Un deseo que, aun en la clandestinidad, se abre caminos creando nuevas formas de lucha, comunicación y  simbolización”.

Somos, 2017, neón, boceto para instalación
 
Hernán Marina es artista visual y sociólogo. Su obra comprende numerosos formatos, como la performance, la intervención y la escultura. Participó en BP.17 Bienal de Performance (Buenos Aires, 2017), Naturaleza: recurso y refugio del hombre (CCK, Buenos Aires, 2017), Evento agua (en el marco de Yoko Ono. Dream Come True, MALBA, 2016), Marina / Rosales / Stoppani (Prisma Kunsthalle, Buenos Aires, 2015), Perceptus Mutantis (Museo da Imagen e Som, São Paulo, 2011), Remap 02 (Atenas, 2009), Cine y Casi Cine (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2007), entre otras exposiciones. 

Algunas de sus presentaciones y muestras individuales fueron: Hermes (Espacio Fundación Telefónica, Buenos Aires, 2014), Gestos, diagramas y posturas (Museo Castagnino, Rosario, 2014), Gestures and Postures (Ivo Kamm Zürich y Mirta Demare, Rotterdam, 2013), Helenismo (Mirta Demare, Rotterdam, 2009), Silencio (Galería Nueveochenta, Bogotá, 2007), Le Partenaire (Teorética, San José de Costa Rica, 2007), Coloso (MALBA, 2004-2005), Men’s Health (MAMBA, 2003). Recibió el Primer Premio Adquisición del 104º Salón Nacional de Artes Visuales (sección Instalaciones y medios alternativos, 2015), el Premio MAMBA Fundación Telefónica (2009), la Beca a la Creación Fondo Nacional de las Artes (2007), el Premio Konex, Diploma al Mérito (2002), el Premio Leonardo (Museo Nacional de Bellas Artes, 2002), entre otras distinciones. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Fundación Telefónica de Argentina, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica, Fundación ARS TEOR/éTica (San José de Costa Rica), Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Museo Castagnino+macro (Rosario) y Museo de Bellas Artes Dr. Juan R. Vidal (Corrientes).  

19 de agosto de 2017

Se presentó el catálogo de la exposición "Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva"


El director del Museo Nacional de Bellas Artes, Andrés Duprat, el artista visual Luis Felipe Noé y la curadora Cecilia Ivanchevich presentaron el martes 8 de agosto el catálogo de la muestra "Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva", que ya fue recorrida por 52.000 personas desde su inauguración, el 11 de julio, y que podrá verse hasta el 20 de septiembre.

"En las muestras importantes como esta, es nuestra política desde el museo hacer un trabajo paralelo de reflexión y edición, donde esté plasmada la propuesta curatorial, junto con otros textos anexos y una frondosa documentación de lo que se exhibió. Estas son fuentes para investigaciones futuras, con las que dejamos una traza bien marcada del recorrido, en este caso, de un grande como Luis Felipe Noé", sostuvo Duprat durante la presentación.

"Pese a que llevo hechas más de cien muestras individuales -comentó el artista-, esta exposición me ha emocionado como ninguna otra, porque cuenta bien todas mis incoherencias, el juego de distintos aspectos de mi obra, más allá del tiempo". Noé también agradeció "a todas las personas que participaron en este catálogo y a todos los que han escrito. Me he quedado sorprendido leyéndolo: ¡Qué inteligentes son mis amigos!".

Según explicó Ivanchevich, el catálogo "aporta una nueva mirada sobre la obra de Noé". "Nos dio la posibilidad de armar un documento que sea análogo a la exposición, pero también independiente", agregó. 

 
La publicación incluye un ensayo de Ivanchevich sobre la "estética del caos" de Noé pensada en términos científicos, culturales, artísticos y políticos; una selección de textos críticos sobre la producción del artista, y los artículos de la especialista Lorena Alfonso, que aborda la relación del artista con la palabra, y de la historiadora del arte alemana Lena Geuer, que tematiza el sentido del paisaje y la pintura de paisaje, a la que Noé se dedica desde 1975. "Los tres textos arman una cosmovisión sobre cómo Noé encaró, desde distintos puntos de vista, la problemática a lo largo del tiempo", sintetiza la curadora.

En la publicación, de 200 páginas, está documentado todo el cuerpo de obra que conforma la exposición. Incluye además una serie de textos sobre cómo Noé fue visto a lo largo del tiempo por críticos y artistas; una cronología de su vida y obra, y un recorrido sobre el modo en que ha encarado las instalaciones. Todos los textos están traducidos al inglés.

El catálogo está a la venta en las tiendas de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes. Su precio es $400.

 
La exposición "Luis Felipe Noé. Mirada prospectiva", que se exhibe en el Pabellón de exposiciones temporarias del Bellas Artes hasta el 20 de septiembre, reúne pinturas, dibujos, instalaciones y libros realizados por Noé a lo largo de sesenta años, y pone el acento en las constantes y variables con las que el artista desarrolla su “estética del caos”, entre 1957 y 2017.

18 de agosto de 2017

Inauguración de nuevas salas en el Museo Fernández Blanco


Con una importante labor de restauración de obras y la apertura de las salas: “Integridad, proporción y brillatez: Arte y devociones dominicas en el mundo colonial” y “Con el sudor de sus rostros: artesanos y gremios en la Buenos Aires Colonial”, el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco concluye la renovación integral museográfica en su sede dedicada a este período: el Palacio Noel en el barrio de Retiro.


Con la participación de una animada concurrencia, una visita guiada especial a cargo de los curadores y las palabras del director general de Patrimonio, Museos y Casco Histórico, Guillermo Alonso; del director del Museo Fernández Blanco, Jorge Cometti; de la representante de la Fundación American Express, Soledad Mato y del representante de la Orden de Predicadores, Fray Juan Pablo Corsiglia; se celebró el miércoles 16 de agosto el acto oficial de apertura de cuatro nuevas salas de exhibición permanente en el Palacio Noel, sede principal del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, única institución de la Ciudad de Buenos Aires que investiga, conserva y exhibe la historia y arte del pasado colonial.

La inauguración de salas nuevas dedicadas al período colonial se realiza luego de una importante labor de investigación y restauración de piezas del acervo llevada a cabo por los equipos de la institución con el apoyo de la Fundación American Express a través de su subsidio internacional para la protección del patrimonio histórico, bajo el auspicio de la Asociación de Amigos del Museo, el impulso de la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y la participación de la Orden de Predicadores de Santo Domingo de Argentina.


“El Museo Fernández Blanco es el único espacio donde podemos unir los retazos de un pasado virreinal, a través de testimonios artísticos generados por tres áreas geográfico culturales de influencia, el mundo Surandino, la cultura de la selva y la propia Buenos Aires como puerta del Atlántico, un lugar de entrada y salida, legal e ilegal, de paso y de promisión” relata con pasión el Lic. Jorge Cometti, director del museo.

El guión museográfico completo:
El cuarto mundo es un relato posible sobre nuestro pasado colonial.
Es también una lectura sobre el impacto que produjo en un mundo concebido occidentalmente como tripartito y jerárquico, de europeos, asiáticos y africanos, la irrupción de un cuarto espacio desconocido: América.
La lente se ajusta sobre los actores de la historia, igualmente ricos y complejos y el devenir de influencias culturales entre lo viejo y lo nuevo, entre lo conocido y el misterio, entre la realidad y la fantasía. Ya sea por imposición o sacrificio, por la conveniencia económica o la búsqueda desesperada de estrategias de supervivencia, los aventurados, los sometidos y los clandestinos, todas esas voces diversas contribuyeron a generar un producto original e irrepetible que se tradujo en todas las manifestaciones del arte hispanoamericano, el primer capítulo de nuestra identidad.
Buenos Aires, como pocas ciudades en Latinoamérica, ha borrado de manera vergonzante el paso de los siglos coloniales. El Museo Fernández Blanco es el único espacio donde podemos unir los retazos de ese pasado virreinal, a través de testimonios artísticos generados por tres áreas geográfico culturales de influencia, el mundo Surandino, fusión de los suyus incas con el imperio español, la cultura de la selva, un experimento jesuita sobre los pueblos guaraníes, moxos y chiquitanos y la propia Buenos Aires como puerta del Atlántico, un lugar de entrada y salida, legal e ilegal, de paso y de promisión.
 

Brinda especial marco a esta presentación la recuperación integral de la fachada del Palacio Noel, obra realizada por el Ministerio de Ambiente y Espacio Público del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
El Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, sede Palacio Noel se puede visitar de martes a viernes de 13 a 19 horas, y sábados, domingos y feriandos de 11 a 19 horas en Suipacha 1422, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. Entrada General $10. Bono contribución $10. Miércoles gratis.

El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires presenta la exposición "Liliana Maresca: El ojo avizor. Obras 1982 – 1994"


Liliana Maresca y Ezequiel Furgiuele con Una bufanda para la ciudad, 1985.
Fotografía: Marcos López. Imagen: Archivo Liliana Maresca
 
Esta gran retrospectiva de la obra de Liliana Maresca recorre doce años de su producción artística, desde 1982 hasta 1994, año de su fallecimiento. La exposición curada por Javier Villa –curador senior del Moderno– parte de un trabajo de investigación que comenzó hace cuatro años, con el cual el Museo se propuso rendirle homenaje y recuperar la potencia de una artista sumamente necesaria para entender el presente, y así mantenerla vigente y accesible para todos.

Victoria Noorthoorn junto al curador Javier Viila y la hija de la artista
 
Victoria Noorthoorn, directora del museo, explica la relevancia de esta exposición en el catálogo que acompaña la muestra: “Hoy en día, cuando el rol social del artista se encuentra tan desvalorizado, es de particular importancia para el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires llamar la atención sobre una figura de quiebre en la historia del arte argentino, cuya práctica continúa interpelando directamente a nuestra sociedad con una obra sincera y a todas luces provocativa y desafiante”.
 
Javier Villa, curador de la exposición 
 
Liliana Maresca fue una figura emblemática para la escena de las artes visuales de los años 80 y 90, una de las constructoras más activas de esa comunidad artística interdisciplinaria gestada hacia el final de la última dictadura militar. Fue una artista cuya obra confrontó de manera crítica problemas centrales para la sociedad, como lo fueron la situación política del país en los años 90 y el VIH, que la afectó personalmente. En palabras del curador, “Maresca puso su propio cuerpo ante todo y, expandiéndose desde ese cuerpo a su entorno íntimo, a la escena artística y a la sociedad, tuvo la capacidad de captar y retransmitir como si fuese una poderosa antena aquello que era central y acuciante en un contexto agitado”.

A través de esta exposición y de su investigación previa, el Museo de Arte Moderno busca profundizar el importante trabajo realizado para la muestra "Transmutaciones" -primera retrospectiva de Liliana Maresca-, exhibida en 2008 en el Museo Castagnino+Macro, de Rosario, y en el Centro Cultural Recoleta, de la Ciudad de Buenos Aires. Por ello, en esta ocasión, se reconstruyen por primera vez cinco instalaciones para acercar al público la sólida práctica de la artista.

Sin título, de la serie “Liliana Maresca con su obra”, 1983. Fotoperformance.
Fotografía: Marcos López. Imagen: Archivo Liliana Maresca
Liliana Maresca nació en 1951 en Avellaneda, provincia de Buenos Aires. A principios de los años 80, comenzó a producir esculturas a partir del ensamblaje de basura que recogía de la calle. En estas piezas reflexiona sobre la tortura que pocos años antes padeció toda una generación, sobre el cuerpo de la mujer, la sexualidad y sobre el rol que debía ocupar el artista en la sociedad. Esto puede verse en la serie de fotografías que realizó en colaboración con Marcos López: “Liliana Maresca con su obra” (1983). Junto al mismo fotógrafo, la artista llevó a cabo otras tres series en 1984. Como afirma Villa: “El cuerpo de Maresca nunca será restringido o disciplinado, del mismo modo que los objetos que produjo en esos años no fueron estáticos o autónomos. Siempre pondrá el cuerpo para embestir su contexto en forma vital y vehemente; su cuerpo siempre estará presente y siempre mutará, como el cuerpo social muta, como la escena del arte muta, como sus objetos mutan”.
Durante esos años, Maresca amplió su trabajo: pasó del cuerpo individual a un pensamiento sobre el cuerpo social. Lideró una serie de proyectos colectivos que tuvieron como finalidad “poner el cuerpo en democracia” y volver a conectar el arte con la sociedad y la sociedad consigo misma. 

E. T. A, 1988. Ramas, bronce y madera laqueada. Fotografía Facundo de Zuviría. Colección Eduardo F. Costantini. Imagen Archivo Liliana Maresca
 
En 1987, Maresca recibió la noticia de que era portadora de VIH. Si bien desaceleró su producción durante dos años, al volver a la escena en 1989, lo hizo en forma enérgica.
Proyectos como No todo lo que brilla es oro, La Cochambre. Lo que el viento se llevó y Recolecta muestran un giro material en su obra, a partir del que trabajará con materiales orgánicos, como ramas de árboles, y otros tradicionales como el bronce.
Durante este período, la nueva coyuntura neoliberal y el SIDA constituyen el trasfondo de varios de sus proyectos, aunque Maresca nunca se referirá de manera directa a la enfermedad. Comenzará a elaborar imágenes arquetípicas, como la esfera y el cubo (vinculadas, respectivamente, a lo celestial y lo terrenal), pero también incorporará el color dorado, relacionado tanto con la alquimia, la transformación y la trascendencia espiritual, como con el dinero y la violencia capitalista, referencia que abarca desde la creciente pobreza en la Argentina (Recolecta) y la guerra por el petróleo iniciada en el Golfo Pérsico (Wotan Vulcano), hasta los genocidios aborígenes por el oro colonial (El Dorado).
 
Mascaritas, ca. 1994. Técnicas y medidas diversas. Archivo Liliana Maresca
En sus últimos tres proyectos volverá a aparecer con fuerza el ofrecimiento de su cuerpo vinculado a la comunicación con el otro.
En sus últimos años de vida, Maresca dibujó Mascaritas, que pueden entenderse como una reconstrucción simbólica de la comunidad que la acompañó durante su carrera y a lo largo de su enfermedad. Son obras surgidas de la tenacidad y la fragilidad de un cuerpo cansado; dibujos realizados con materiales simples, livianos y fáciles de manipular, canalizados por trazos rápidos, lineales, y colores estridentes. Son rostros cuyo principal destino es formar todos juntos una multitud. 


Javier Villa señala sobre la figura de Maresca: “Nos lega una forma de trabajo que expresa firmemente cómo pararse frente al arte, frente a la vida y a los otros, frente al tiempo y al contexto tanto político como personal”. Y continúa: “Una artista consciente de la importancia de su rol en la sociedad, que se entrega a ella, que denuncia, que evita la comodidad, la indiferencia y el egoísmo. Una obra que perdura tanto a través de los objetos y documentos que fueron preservados, como de su potencia y determinación sobre la necesidad de cambiar el mundo”.

La exposición está acompañada por un libro monográfico titulado "Liliana Maresca", con textos de Javier Villa, María Gainza y una cronología biográfica realizada por Laura Hakel. La publicación fue diseñada por Gastón Pérsico y Cecilia Szalkowicz e incluye todo el material exhibido en el Museo, además de obras inéditas, tales como fotografías de Alejandro Kuropatwa.
Esta exposición y su catálogo cuentan con el importante apoyo del Consejo de Promoción Cultural de la Ciudad de Buenos Aires. 
La exposición se puede visitar de martes a viernes de 11 a 19 horas, y sábados, domingos y feriados de 11 a 2 0horas en Avenida San Juan 350, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. Entrada general: $30. Martes: gratis.

17 de agosto de 2017

La artista visual Marina de Caro presenta "El universo en un hilo" en el Centro de Experimentación y Creación del Teatro Argentino de La Plata


TACEC. El Centro de Experimentación y Creación del Teatro Argentino de La Plata presenta El universo en un hilo, ópera en tres cuadros y dos entreactos de la artista plástica Marina de Caro.
Sábado 19, domingo 20, miércoles 23, jueves 24 y viernes 25 de agosto a las 21 horas.
El universo en un hilo nace de un poema visual y de su lectura: una acción que da pie a la experiencia del cuerpo como caja de resonancia y que termina conjugando imagen, sonido, musicalidad y movimiento. 
 
El poema se propone como una ópera en tres cuadros y dos intermedios. Su comienzo nos ubica en un taller de tejido que se devela como un espacio de pensamiento y de creación a partir del saber femenino y de la imaginación. Las instrucciones de tejido, la propia sonoridad del trabajo, el mundo de las pequeñas acciones que se llevan adelante en la producción de las piezas van poco a poco manifestando su dimensión poética y utópica y, en su claridad y minuciosidad productiva, se develan como un vasto y reflexivo programa de pensamiento operativo para la acción.

Una acción que se reivindica en las voces de Ofelia, Mélisande y Margarita -figuras clásicas de la tradición operística- permitiendo, a su vez, que ellas se muestren ya no como figuras sumisas, que esperan y sufren por amor, sino en su dimensión creativa y hacedora, como figuras poéticas, políticas y utópicas, como constructoras de sentido con la capacidad para que sus actos pongan en marcha una transformación.

El universo en un hilo comenzó como propuesta para la Bienal de Lyon del 2010, curada por Victoria Noorthoorn. La intención del proyecto fue explorar una dimensión del cuerpo que De Caro aún no había trabajado: la sonoridad, el cuerpo como caja de resonancia. Ese fue el disparador para empezar a pensar en esta “ópera”. El proyecto para la bienal se transformó en una obra escultórica y la “ópera” quedó como un desafío para desarrollar en el tiempo.

La primera persona que apoyó la iniciativa fue Lizzie Weisse, regisseuse y maestra titular de Técnicas de Actuación y Práctica Escénica en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, quien aportó su mirada sobre el proyecto para poder evaluar si lo imaginado en diálogo con la ópera como género era posible, considerando la visita a un lenguaje desde una perspectiva ajena, como lo son –en este caso- las artes visuales.
Alejandra Aguado y Solana Molina Viamonte, que llevan adelante la organización independiente Móvil, dedicada a la experimentación en arte contemporáneo, acogieron este desafío dentro de su programa. Durante muchos meses, el proyecto fue sumando integrantes y avanzó  en equipo con la sonoridad y visualidad de esta propuesta hasta que fue presentada a Cynthia Edul, directora del TACEC, que lo incluyó en la programación 2017.
Teatro Argentino. Sala TACEC. Calles 9 y 53, La Plata.
Entradas: $ 100. Disponibles en la boletería del Teatro o a través de TuEntrada.com

16 de agosto de 2017

Arcimboldo Arte Contemporáneo presenta la exposición “Nocturnos” de Juan Nördlinger


Desde el martes 15 de agosto se puede visitar en Arcimboldo Arte Contemporáneo la exposición “Nocturnos” del pintor Juan Nördlinger. Se trata de pinturas en tela de lugares, personajes y situaciones reales e imaginarios de la ciudad. Permanecerá hasta el 8 de setiembre en Reconquista 761 - PB 14, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
  
Para presentar la reciente producción de Juan Nördlinger nos parece vital retomar una pregunta de Gilles Deleuze: “¿Qué quiere decir hablar de pintura?”… cuestión que el filósofo formulara a propósito, entre otros, de Van Gogh. Su inmediata respuesta reza: “precisamente formar conceptos que están en relación directa con la pintura y solamente con la pintura”.
Nuestro escrito se ampara en esta prescripción que ayuda a prolongar en lo discursivo la creencia de Juan Nördlinger: pintar es crear imágenes en y solo a través de la pintura. Porque incluso en el conocimiento de las estrategias artísticas contemporáneas, el conjunto de las obras que da lugar su exposición en Arcimboldo insiste en la práctica pictórica y en la exploración de su hacer específico. Un trabajo dedicado y delicado, un oficio que implica ritos y tabúes, una técnica en riguroso coajuste con sus materiales, una relación amorosa entre la corporeidad del cuadro y la pericia del artista.
De tal persistencia y concentración ha emanado una nueva densidad poética. Una cierta discontinuidad con el trayecto previo, que intentaremos develar muy cerca de las imágenes. Ellas operan a partir del ejercicio de la visión nocturna: un acontecimiento precario entre seres y entornos, y un desafío para quien se atreve a ampliar las fronteras de la luz visible.
Podemos perseguir en la superficie de la tela el lugar del pintor: primero flâneur, cuerpo en el tránsito de la noche, principalmente en su ciudad y de allí en otras. Un errante sin prisas, sin rumbo; su atención en disponibilidad percibiendo contrapuntos de sombras y luces, acopios de tonos, matices en acorde, reflejos fluviales, las huellas de diversos pasados. Luego, testigo de la nocturnidad, mirada encarnada, íntima… cómplice del clima onírico de una noche que se abre a lo real.

Y lo real pictórico podría ser esa “catástrofe que afecta el acto de pintar en sí mismo. (…) Al punto que sin ella el acto de pintar no podría ser definido” (Deleuze).

¿Qué puede significar esto? Existe para la pintura un antes del acto: es el caos del que surge la figura, ese aciago envés que germina en matriz, ese anclaje trágico que anuda el armazón. Sujeto del caos, el pintor, un poco más acá de lo invisible y un poco más allá de lo visible, conmovido ante la dilatada textura del mundo, situado en el umbral de sonidos intraducibles y de lenguajes aún inaudibles. Paul Klee decía: “Me parece, cuando la noche vuelve a descender, que no pintaré y que jamás he pintado.” Es aún oscuro cuando la mirada empuja la claridad en el acto de pintar. Y cuando se ha constituido la mirada, ya puede haber un secreto que donar a la contemplación. Con cuidado.
 
La mirada de Nördlinger conoce la dimensión de este “casi de noche”, ha experimentado en el descenso hacia lo oscuro la gama que no se extralimita y la claridad que asciende hasta punto de ceguera; temperaturas; colores irreprimibles cuando remontan la máxima gradación declinan morosos detonando penumbras. Entre esos dos confines labora el hecho pictórico  que exhuma del caos el color y la forma por un pincelada muy trabajada de trazos intensos. Sobre, entre, contra la pregnancia de los fondos con sus sutiles variables tonales se ritma el dibujo, geometría de lo informe, y se trazan sus líneas hirientes. La transparencia vincula los planos, el detrás y lo representado. Los artefactos figurativos se distribuyen en una composición estable y pausada incluso en sus recurrentes diagonales o sus superficies trapezoidales; solo aquí o allí, a veces protagónicas, ciertas aceleraciones dadas por la perspectiva o por la materialidad.
Lápiz, grafito, carbonilla, acrílico… lo gráfico y lo pictórico solicitan una contemplación en detalle para descifrarse como textura de la nocturnidad. ¿Es este el concepto que describe la sensación capturada en connivencia con un mundo casi silencioso?

Y sin embargo el secreto está a salvo; el parpadeo que reiteran las tinieblas quiebra los equilibrios en favor de esos fondos que avanzan inestables, expansivos, indiscernibles. Fondos que aparecen en los seres y las cosas, pero no pertenecen ni a los unos ni a las otras. Base geológica hecha de brumas que resguarda la idea de albedrío unida a la de designio. Diagrama.

“Si no existe el diagrama… eso que hace catástrofe sobre el cuadro, entonces ya no hay nada” (Deleuze)

Esmalte estallado sobre el cobre de la tela, mancha corpuscular en una dimensión abstracta, esquema, ley de funcionamiento, los fondos liberan la imagen de los clichés que podrían abrumarla: el fantasma de la fotografía, el espectro del género. Porque en la instantánea la visión se pierde en pos de obtener una vista y es preciso recuperarla al pintar. Ni paisajes urbanos, ni interiores, ni series, ni unidades, pero además… lo que, en definitiva, ponen en escena estos cuadros son estados intersubjetivos de la nocturnidad.
Rembrandt, Whistler, Hopper, Bacon… ¿qué  puede ser lo nocturno para un pintor?...
Dice Nördlinger: “Lo que sucede en la noche es lo mismo que acontece en la pintura: una transfiguración”. Deleuze asiente: una catástrofe en el acto de pintar es inseparable de un nacimiento. Es el origen mismo del color, de la pintura. Es quizás lo que algunos pintores desde siempre han buscado en la noche: “… me hace falta también una noche estrellada con cipreses ―quizá sobre un campo de trigo maduro…” (Van Gogh).
                                                                   Alicia Romero, Marcelo Giménez

El Museo de Arte Popular José Hernández inauguró el Salón de Arte Textil número 13


Este número es de buena suerte para el Museo de Arte Popular José Hernández y su Asociación de Amigos, y al cumplirse 13 años de la realización del primer Salón de Arte Textil, los organizadores doblaron la apuesta y organizaron una exposición en paralelo en homenaje a esta cifra tan emblemática. Más de 30 artistas y artesanos presentando obras asociadas al 13 en el jardín del museo, además de las más de 50 obras del tradicional Salón.

Adriana Neer. "Trasplante N° 6"
 
Con más de 50 obras seleccionadas, el Salón de Arte Textil fue declarado de Interés Cultural por la Legislatura del GCBA. 
Los artistas están invitados a presentar piezas utilizando diversas técnicas y materiales, que abarcan desde las estéticas tradicionales a las contemporáneas. Su material puede ser orgánico, inorgánico o sintético y se componen de urdimbre y trama. El criterio de selección del jurado permite brindar al espectador una muestra amplia y actual del arte textil. El jurado estuvo compuesto por las prestigiosas artistas Silvia Millet, Teresa Romanella y Liliana Rothschild.

Susana Bredt. "En red o enredados?"
 
Susana Bredt obtuvo el primer premio en Pequeño Formato con la obra ‘En red o enredados?’. Lo siguieron Victoria Eguiguren con ‘Guía de Vuelo para moscas’ y Nenu García S/T con el segundo y tercer premio. Las menciones fueron para Gabriela Cassano ‘De la serie Intersticios II’, De Michelis Emilia ‘El otro’, Reta Roxana ‘Palabra por palabra’. En Mediano Formato el primer premio lo obtuvo Adriana Neer con la obra ‘Trasplante N° 6’, Marian Cvik Adán y Eva y Mariana Mercolli Imágenes interiores el segundo y tercer premio, y las menciones se otorgaron a Isabel Polikowski Ditone ‘A puro color II’, Nani Hense de la serie naturaleza alterada “Alimento’, Mónica Sabatte ‘De colores’ y Marina Soria ‘Tejiendo palabras’.

La muestra permanecerá abierta hasta el domingo 1 de octubre,  y se puede visitar de martes a viernes de 13 a 19 horas y sábados, domingos y feriados de 10 a 20 horas. en Avenida del Libertador 2373, Buenos Aires, Argentina.

11 de agosto de 2017

Carlos María Pinasco Art+Consultant está presentando “Norah Borges. Creadora de ángeles”, muestra homenaje


"Figuras en un paisaje"
 
“Se que a mi lado hay una gran artista, que ve espontáneamente  lo angelical del mundo que nos rodea” Jorge Luis Borges, Milán 1977.

Un injusto olvido ha tenido, en los últimos años, Norah Borges (1901-1998)  la finísima artista, introductora del ultraísmo en la Argentina. En vida eludió halagos y distinciones y aceptó con modestia el rol de “hermana de Georgie”. Fallecida, la ausencia de sus obras en las salas porteñas impidió a las nuevas generaciones conocerla y disfrutar de su pintura. Su biografía registra una formación europea ligada a las vanguardias de inicios del siglo pasado y una personalidad deslumbrante que encuentra, ya retornada a Buenos Aires, un estilo propio de un lirismo excepcional.

"El limonero"
Esta muestra incluye una selección de óleos , témperas y acuarelas inéditas.
Carlos María Pinasco, (que durante 25 años dirigió Colección Alvear de Zurbarán), realiza ahora en su propio espacio inaugurado hace tres años un homenaje a esta excepcional artista.
La exposición permanecerá hasta fin de setiembre y se puede visitar de lunes a viernes de 12 a 20 horas, en Av. Quintana 125, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

9 de agosto de 2017

El MALBA presenta "Porque ¡yo escribo!", primera exposición retrospectiva de la artista Mirtha Dermisache


El jueves 10 de agosto MALBA inaugura "Porque ¡yo escribo!", primera exposición retrospectiva de la artista argentina Mirtha Dermisache (Buenos Aires, 1940-2012) en un museo. Entre la plástica y la escritura, la obra de Mirtha Dermisache se despliega en libros, cartas, textos, diarios y postales, formatos con los que experimentó las posibilidades de expresión de su trazo sobre el papel.

La exhibición constituye un recorrido completo por su producción, desde su primer libro realizado en 1967 hasta sus últimos trabajos colectivos de los años 2000. Incluye 140 piezas pertenecientes a colecciones privadas, además de un amplio conjunto de documentos provenientes del Archivo Mirtha Dermisache, que desde 2013 lleva adelante un minucioso trabajo de catalogación y registro de sus obras.
 
Nueve newsletters un reportaje, 2003. Colección MALBA
A lo largo de su carrera, Mirtha Dermisache desarrolló una obra caligráfica a través de “escrituras ilegibles”, término acuñado por Roland Barthes quien en 1971 manifestó gran interés por su trabajo y destacó su capacidad de alcanzar la “esencia de la escritura”. La artista se interesó especialmente por la capacidad editorial de sus obras, como una forma de problematizar la idea de originalidad. Estuvo vinculada al Instituto Di Tella, al CAYC y el Grupo de los 13 y se caracterizó por ser una artista solitaria e intimista en su obra escrita y sumamente abierta en su producción pedagógica.

“Desde el inicio, la obra de Dermisache aparece atravesada por la dualidad entre la búsqueda de libertad en la creación y el sometimiento a una serie de reglas, a una disciplina. Y, a la vista del conjunto de su trabajo desde 1967 hasta su muerte, esta dualidad va a ser una constante, indisociable de su tarea pedagógica, entendida como experiencia de un proceso inverso de aprendizaje: el desaprendizaje de ciertas ideas que impiden la libre expresión creativa”, explica el curador Agustín Pérez Rubio.
 
Lectura Pública 2, 2005-2006, tinta sobre papel
Las posibilidades de manipulación de los dispositivos editoriales convivirán en la sala de exposición con obras originales, interpelando al público sobre los aspectos más abstractos de la escritura, como el tiempo, la musicalidad y los ritmos, la plasticidad caligráfica, la significación, la sistematicidad y la relación con la tipografía. La exposición también da cuenta de los procesos creativos de la artista, que incluyen textos “legibles” y ejercicios, así como de su extensa labor pedagógica en el TAC (Taller de Acciones Creativas) y en las seis ediciones de las Jornadas del Color y la Forma (1974-1981), que derivó en una práctica de “obra x sumatoria” en la que involucraba a todos los participantes.

El proyecto expositivo se basa en un trabajo de investigación documental de tres años sobre su archivo personal, acervo que también será expuesto para contextualizar y conjugar facetas antagónicas y rectoras de su trabajo como la disciplina y la libertad de expresión, la edición y el original, lo masivo y lo individual. Junto con la exposición, se publicará un catálogo sobre su obra de 300 páginas –en doble edición español e inglés-, co-editado junto a Fundación Espigas y con el apoyo del Archivo Mirtha Dermisache y del Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA). 

Sin título, ca. 1970, tinta sobre papel
Mirtha Dermisache. Porque ¡yo escribo! continúa la serie de proyectos de sala 3 que buscan revisitar la producción de artistas mujeres que por diferentes motivos no han sido suficientemente reconocidas en su época, o cuyo trabajo aún no ha cobrado su real dimensión en la historiografía del arte contemporáneo. Desde 2015 se realizaron exposiciones monográficas de Annemarie Heinrich (Alemania, 1912 – Bs As, 2005), Teresa Burga (Perú, 1935), Claudia Andujar (Suiza, 1931. Vive y trabaja en Brasil desde 1954) y Alicia Penalba (Bs As, 1913 – Francia, 1982).

La exposición permanecerá hasta el 9 de octubre de 2017 y se puede visitar en la sala 3 del nivel 2 del MALBA, Av. Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina. El horario del museo es: jueves a lunes: 12 a 20 hs. y miércoles: 12 a 21 hs. Martes cerrado. Más información en: www.malba.org.ar.

8 de agosto de 2017

Tres inauguraciones en el Espacio de Arte de Fundación OSDE

El 10 de agosto a las 19 horas el espacio de arte de la Fundación OSDE inaugura la exposición "Religión catódica" del artista colombiano José Alejandro Restrepo en la sala principal, "Oropel" de Maja Lescano en las salitas y "Un fuego de llama plana", una intervención de Daniel Basso en la vidriera. 
  
José Alejandro Restrepo. Iconomía, 2000/2013. Video instalación, 2 canales: Iconofilia (1h 15'), Iconoclastia (35')
 
Pionero del videoarte colombiano, José Alejandro Restrepo, vuelve al Espacio de Arte de la Fundación OSDE después de casi diez años con una exhibición individual: Religión catódica. Con curaduría de Jorge La Ferla, la exposición reúne catorce trabajos que incluyen proyecciones, video instalaciones y grabados. El título de la exhibición coincide con el del libro-catálogo que compila sus ensayos e investigaciones del último período. Investigaciones que encontraron en el video un medio posible para guardar memorias.

José Alejandro Restrepo. De la serie Misiones, 2011. Serigrafía sobre papel
 
Muchas de las obras elegidas para la muestra, como Caballero de la Fe, Iconomía, Viacrucis o La Verónica piensan el estatuto de la imagen y dan cuenta de un cuidado método de trabajo de su autor en el que clasifica, selecciona y experimenta con material de archivo televisivo. Él mismo habla de su tarea: “Si la historia pertenece a la gramática como sostenían los antiguos, aquí re-editar los materiales es una apuesta para generar otra escritura y otra narrativa de nuestra historia reciente.” 
José Alejandro Restrepo es un autor que persiste, con paciencia y agudeza, en denunciar la violencia en las imágenes que nos interpelan cotidianamente.
El curador de la exhibición observa: “Son lecturas para un relato crítico, que cuestiona los aparatos ideológicos del estado, asentados en los manuales escolares, los cantos patrios, los lugares comunes y los medios masivos de comunicación. Estas fricciones hacen de Restrepo un comentador privilegiado que procesa la realidad colombiana y, por extensión, del continente, a través de formas de representación que se concentran en la práctica híbrida de la instalación en el espacio expositivo.”
José Alejandro Restrepo. Santo Job, 2008.
Video proyección sobre gusanos de seda, 5'
Se han programado actividades en el marco de la exposición:
El viernes 11 de agosto a las 18 horas, se realizará un encuentro con el artista, donde comentará con el público las estaciones de Religión Catódica.
El viernes 8 de setiembre a las 18 horas, el encuentro será con Jorge La Ferla, curador de la exposición: Pasajes. Desde la idea original al montaje de Religión Catódica.
El jueves 21 de setiembre a las 18 horas, se realizará una mesa redonda sobre video, instalaciones, arte, política. Participan: Cecilia Rabossi (UBA), Ana Longoni (UBA) y Emilio García Wehbi (artista interdisciplinario). Modera: Jorge La Ferla.
Los viernes 29 de setiembre y miércoles 4 de octubre a las 15 horas se realizará un recorrido analítico por la exposición, cátedra Jorge La Ferla (FADU-UBA). 
Y, por último, el martes 26 de setiembre a las 18 horas, se desarrollará la mesa redonda "Instalaciones, editoriales, arte contemporáneo" alrededor de la obra de Restrepo y la exposición Religión Catódica, con la participación de Gabriel Boschi (FUC), Mariel Szlifman (FADU-UBA) y Julio Sánchez (FUC). Modera: Jorge La Ferla. 
 
Maja Lascano. Oropel, detalle
Con su obra Oropel, Maja Lascano interviene las salitas a partir de los motivos que las adornan, recrea una naturaleza viva y dorada. Al igual que las artes decorativas, piensa que lo que emula del reino vegetal es su forma de operar: una producción modular donde se abren paso las combinaciones, en un proceso continuo de mutación y adaptación. De esta manera, el ornamento se expande hacia la trama para componer esculturas textiles, blandas, afectivas y orgánicas.  
Oropel es un material que parece oro pero no lo es. Es también el nombre de una serpiente dorada.” En la primera sala, hay dos serpientes. Mientras cambian de piel, protegen la sala contigua y la pulsión de vida que ésta guarda. Detrás, volátil, suspendida entre la penumbra, crece una hiedra de capullos dorados. 

Daniel Basso. Proyecto 
 
Daniel Basso presenta en la vidriera del Espacio de Arte de la Fundación OSDE la intervención Un fuego de llama plana.
 El artista diseña una escena protagonizada por esculturas: una imagen que, en su profundidad, despierta el apetito visual de los ocasionales espectadores.
 
Teniendo en cuenta que la función original de la vidriera fue la exhibición de piezas mobiliarias, Basso propone rescatar ese aspecto del espacio y utilizarlo en favor del objeto.
 La escala de las piezas emplazadas, respecto del entorno, altera el sentido de la funcionalidad espacial, atravesándolo. Un cortinado y una alfombra de color serán el soporte de la escena. Las esculturas buscan establecer un diálogo formal y de sentido entre sus diferentes configuraciones.

La exposición se puede visitar hasta el 14 de octubre de 2017, de lunes a sábado de 12 a 20 horas, con entrada libre y gratuita, en el espacio de arte de la Fundación OSDE, Suipacha 658, primer piso, Buenos Aires,  Argentina. Domingos y feriados cerrado.

7 de agosto de 2017

La galería de arte Ruth Benzacar presenta “Horizonte de eventos” de Tomás Saraceno


"Horizonte de eventos" reúne las investigaciones recientes de Tomás Saraceno sobre el universo, entendido éste como un dominio expandido de interconexiones, y sobre “Ciudades Nubes”, su visión de ciudades modulares y transnacionales en el aire. Modelos de prácticas constructivas sostenibles y emancipadoras, sus esculturas flotantes e interconectadas generan un escenario que especula con formas de cohabitación alternativas y que busca llegar a un compromiso ético con la atmósfera y con el planeta Tierra. 
 
Nutrida por el mundo del arte, la arquitectura, la astrofísica, las ciencias naturales y sociales, la práctica artística de Tomás Saraceno es una secuencia de rastros, sendas y constelaciones que revelan las relaciones existentes entre lo microscópico, lo global y lo cósmico. De este modo, las obras escultóricas “Zonal Harmonics”, compuestas de órbitas sostenidas puramente por su tensión mutua, especulan sobre las variaciones de velocidad y geometría de las trayectorias de los cuerpos celestes y su relación entre sí en el espacio y el tiempo. 

La dinámica física transmitida por las obras se extiende desde las partículas microscópicas hasta las fuerzas gravitatorias planetarias. Las configuraciones flotan en el espacio; los arcos parecen doblarse, recomponerse y unirse como estructuras helicoidales moleculares; adentro, los filamentos atrapan universos minúsculos… Universos que Saraceno vuelve a encontrar en las complejas telarañas tridimensionales, no acaso consideradas por los cosmólogos analogías de la “red cósmica” en que habitamos, y que el artista ha investigado con aracnólogos y científicos durante más de una década.
 
El artista ha abordado los principios clave de la organización social: cooperación, co-habitación e hibridación. Estos principios son materializados en el prototipo de “Ciudad-Nubes” exhibido en el espacio de la galería.
Sugiriendo un desplazamiento conceptual de la atención hacia fenómenos más que humanos, Saraceno nos recuerda que todos flotamos en una nube cósmica, y propone nuevas formas sostenibles y ecológicas de vivir en la Tierra imaginando posibles futuros alternativos.

"Horizonte de eventos" inauguró el miércoles 2 de agosto con gran concurrencia de público y permanecerá en exposición hasta el sábado 16 de setiembre, de martes a sábados de 14 a 19 hs. en Ramírez de Velasco 1287, Villa Crespo, Buenos Aires, Argentina.

La Rural anuncia el lanzamiento de “Mucho Gusto, Drinks & Food”


Del 7 al 9 de setiembre, de 18 a 24 hs, el Pabellón Frers será el escenario donde las marcas de bebidas más exclusivas exhibirán todas las novedades de la industria. Además, la gastronomía estará presente con propuestas atractivas sobre ruedas: los aclamados “foodtrucks”, contarán también con intervenciones artísticas, música y tecnología.

“Mucho Gusto, Drinks & Food” es una explosión de sabores para todos los sentidos. Con el propósito de atraer a un público joven, dinámico e hiperconectado, este festival de estilo fusionará creatividad con una increíble puesta en escena y propondrá a los visitantes sumergirse durante tres noches, en un encuentro urbano donde podrán degustar vinos, cervezas, whiskys, licores y aperitivos, acompañados de una amplia oferta gastronómica, con platos ideales para maridar.

Otro atractivo serán las bandas en vivo que le pondrán ritmo a cada jornada con distintos estilos: rock, pop, blues, jazz y reggae. Dj´s set y áreas de juego completan la propuesta de este evento único en su estilo, que promete una experiencia inolvidable. 

Marcia Güttner, gerente de Ferias Propias de La Rural sostuvo “Con 'Mucho Gusto', apostamos a captar un público joven, de la nueva generación, a los que queremos ofrecerle una verdadera experiencia 360. Pensamos este producto en base a esos jóvenes,  hiperconectados, que tienen necesidades específicas y que cambian sus gustos muy rápidamente, lo que provoca que sean consumidores muy exigentes”.

Con la incorporación de este nuevo producto, La Rural amplía su portfolio siguiendo las últimas tendencias del mercado y poniendo especial atención a la demanda de un público cada vez más participativo.

"Mucho Gusto, Drinks & Food” se realizará el 7, 8 y 9 de setiembre de 2017 en el Pabellón Frers de La Rural (entrada por Av. Santa Fe 4363).
Horarios: jueves, viernes y sábado de 18 hs a 00 hs (la boletería cierra a las 23:30).
Costo de la entrada: $250 (prohibido el ingreso a menores de 18 años).

6 de agosto de 2017

En un mes llega la 13ª edición de BA'Photo, en La Rural, con Candida Höfer como artista invitada


BAphoto anuncia la realización de su décima tercera edición desde el 6 al 10 de setiembre de 2017 en La Rural, predio ferial de Buenos Aires. 
A través de su trayectoria, la feria se ha consolidado como un punto de referencia para la fotografía latinoamericana y un lugar de encuentro entre artistas, curadores, críticos, periodistas especializados y nuevos coleccionistas interesados cada vez más en este medio.

En 2016 la feria se trasladó a La Rural, un cambio que fue muy bien recibido por la prensa local e internacional. Este espacio representa una nueva etapa que busca fortalecer el campo de la fotografía y ampliar su mercado a nivel internacional.
La invitada de honor de la próxima edición de BAphoto será la reconocida artista alemana Candida Höfer, una de los integrantes de la destaca Escuela de Dusseldorf y con una amplia trayectoria internacional. La artista, quien será representada en la feria a través de la galería Thomas Zander (Colonia, Alemania), estará exhibiendo varias obras correspondientes a sus últimos quince años de producción. Además realizará una conferencia magistral para el público en el auditorio de la feria.
 


Entre los contenidos de este año, se destaca la segunda edición de la Feria Tijuana de Arte Impreso, integrada por editoriales especializadas en fotolibros de diferentes partes de Latinoamérica. Fuera de Foco, el sector de experimentación contemporánea cumple cuatro años y se consolida como uno de los intereses más atractivos de la feria. También continuará el sector de Special Projects para galerías internacionales curado por José Antonio Navarrete y aclamada sección Links Project, bajo la curaduría de Ariel Authier.
Continuando con su política de promoción federal de la fotografía, este año BAphoto hará una selección especial de las mejores cinco propuestas entre todas aquellas galerías de las provincias que apliquen a la feria y se les cubrirán los gastos del stand en un cien por ciento gracias al apoyo de los auspiciantes.
 

Cándida Höfer. Teatro Cervantes Buenos Aires, 2006

Desde su última edición, BAphoto estimula a las galerías a que presenten propuestas que trabajen la fotografía en un sentido abierto, permitiéndose integrar en sus stands proyectos de video, performances, instalaciones u otras disciplinas familiarizadas con el medio fotográfico. A su vez la feria se encuentra trabajando en nuevas propuestas curatoriales que permitan sumar protagonistas y ampliar el programa de adquisiciones para museos nacionales e internacionales.
BAphoto es dirigida por Diego Costa Peuser y forma parte de Arte al Día International, plataforma que también organiza PArC – Perú Arte Contemporáneo, Pinta Miami y las ediciones de Gallery Night en Buenos Aires y Punta del Este.